引言

介绍了中国古典戏剧翻译的现状，指出现有翻译多关注文学性和可读性，而较少关注可表演性。特别提到了美国汉学家白之翻译的《牡丹亭》英译本，强调了其对诗句节奏和音乐效果的处理。文章旨在进一步探讨可表演性原则在中国古典戏剧翻译中的体现。

戏剧翻译的可表演性原则

深入探讨了戏剧翻译的可表演性原则，起源于西方戏剧符号学研究，并在中国古典戏剧英译中得到扩展。Bassnett等西方学者强调戏剧文本与表演的紧密联系，主张翻译应关注动作性和语言性，处理文本中的符号和副语言因素。Espasa、Newmark和Pavis等进一步阐释了可表演性内涵，强调口语化、动作性和舞台表演的优先性。中国学者如朱生豪、曹禺等也提出了戏剧翻译的表演性思想，强调保持原作神韵、舞台指示和口语化。中西方学者的共通之处在于：戏剧翻译需兼顾语言和动作因素，语言要具有可说性或可演唱性，体现人物性格；动作要深入挖掘文本，利于舞台表演。作者将在此基础上，进一步分析《牡丹亭》英译本中的可表演性因素，探讨其在中国古典戏剧英译中的内涵。

白之《牡丹亭》英译本的研究概述

概述了美国汉学家白之的《牡丹亭》英译本，由印第安纳大学出版社于1980年首次出版，并于2002年再版。白之的译文在1972年部分选译并作为教材传播。其全译本被广泛认为是权威，汪榕培等研究者和译者均予以肯定。研究主要分为三类：译介和传播研究、理论性研究以及译本比较研究。译介和传播研究关注文本和舞台传播，理论性研究探讨符号意象的英译操作规范，译本比较研究则从不同理论角度对比分析。尽管有研究涉及唱词和音节，但关于译本可表演性的研究较少。彼得·塞勒斯导演的《牡丹亭》版本和陈士争导演的全本《牡丹亭》均采用了白之的译本，显示其在海外戏剧舞台上的广泛影响力。

白之英译本中的可表演性因素

深入探讨了《牡丹亭》英译本中的可表演性因素，分析了中国古典戏剧与古代“乐”的紧密联系，指出“乐”是一种综合了诗、歌、舞的表演艺术。中国古典戏剧剧本由唱词、宾白和科介三个要素构成，其中唱词和宾白属于语言因素，科介和程式属于动作因素。文章以白之的《牡丹亭》英译本为例，从语言和动作两个角度具体分析了可表演性原则在英译中的体现。

在语言因素方面，可演唱性是关键，唱词创作需符合曲牌的韵律和格式，译者需在译文中体现原语的音韵，同时符合音乐要求。白之的译文通过自由体诗形式，简洁的语言和精心处理的韵律，成功地还原了原曲的音乐性。易演说性则要求剧本语言既要简洁明快，又要具有戏剧表演的韵律和节奏。白之的译文通过巧妙的翻译技巧，如使用多义词和脚注解释，既保留了原文的文化内涵，又增强了译文的流畅性和易演说性。

在动作因素方面，可表演性要求剧本中的动作提示（科介）和程式化动作能够视觉化呈现，使读者能够联想到人物造型和表演动作。白之的译文通过增加描述性词汇和心理活动的细节，使动作更加具体形象，同时保留了戏曲舞台的艺术魅力。协调化则要求动作与语言协调一致，形成综合的表演艺术。白之在翻译中注重动作与人物语言的协调性，通过细腻的翻译手法，展现了戏曲表演的意境和人物心理。

总之，白之的《牡丹亭》英译本在语言和动作两个层面都体现了可表演性原则，既保留了中国古典戏剧的文学性和表演特色，又适应了英语观众的接受习惯，为跨文化交流做出了重要贡献。

结论

强调了中国古典戏剧的综合性，包括语言和动作因素。白之的《牡丹亭》英译本通过自由体诗形式，保持了原文的演唱特点和语言节奏感，同时采用直译和意译处理文化负载词，确保了译文流畅度。译文深入挖掘动作因素，通过详细描述科介，展现人物心理活动，使舞台表演视觉化和协调化。此外，译文句子长度的灵活选择，使动作与唱词和念白相配合，体现了戏剧的综合性。文章旨在探索戏剧翻译的可表演性原则，并为中国古典戏剧翻译提供借鉴。